Südkoreanische Unterhaltungsbranche steht auf dem Höhepunkt ihres globalen Erfolgs vor einer Identitätskrise

Ein kulturelles Imperium am Scheideweg

Die südkoreanische Unterhaltungsbranche scheint auf der Weltbühne unerschütterlich. BTS eroberten die internationalen Charts, „Parasite“ räumte 2020 bei den Oscars ab, und koreanische Dramaserien dominieren weltweit die Netflix-Sehstunden. Die Kulturexporte erreichten 2024 mit 15,18 Milliarden US-Dollar einen Rekordwert und festigten den Ruf des Landes als kulturelle Supermacht. Doch hinter dieser glänzenden Erfolgsgeschichte stehen zwei Säulen der Koreanischen Welle vor einem grundlegenden Wandel. Kino und K-Pop, die Branchen, die Südkoreas Imperium der Soft Power aufgebaut haben, sehen sich nun Herausforderungen gegenüber, die die kreativen Grundlagen ihrer Erfolge zu untergraben drohen. Die Krise geht nicht auf ein sinkendes internationales Interesse zurück, sondern auf strukturelle Veränderungen im Inland, die neu prägen könnten, wie koreanische Kultur ein globales Publikum erreicht.

Inhalt

1. Ein kulturelles Imperium am Scheideweg
2. Der Niedergang des koreanischen Kinos
3. Das Streaming-Paradox
4. Der Wandel in der K-Pop-Landschaft
5. Entfremdung im Inland
6. Die Entterritorialisierung der koreanischen Kultur
7. Reaktionen der Regierung und strategische Herausforderungen
8. Der menschliche Preis
9. Tiefer liegende strukturelle Herausforderungen
10. Wege zu nachhaltiger Kultur
11. Das Wichtigste

Die Warnzeichen kommen aus unerwarteten Richtungen. Regierungsstatistiken zeichnen ein bestimmtes Bild, doch Branchenkenner berichten von rückläufigen Besucherzahlen, sinkenden Albumverkäufen und einer unter Druck stehenden Talentförderung. Diese Entwicklungen werfen die Frage auf, ob Südkorea seine kulturelle Vormachtstellung im kommenden Jahrzehnt behaupten und zugleich die Authentizität und Innovationskraft bewahren kann, die die Welt einst in ihren Bann zogen.

Der Niedergang des koreanischen Kinos

Das koreanische Kino steckt in seiner schwersten Krise seit Jahrzehnten. Die Besucherzahlen koreanischer und internationaler Filme sind seit 2019 um 45 Prozent eingebrochen: von 226 Millionen auf nur noch 123 Millionen. Die Einspielergebnisse sanken im selben Zeitraum von 1,3 Milliarden auf 812 Millionen US-Dollar und setzen die gesamte Branche finanziell unter Druck. Die Investitionen sind deutlich zurückgegangen, da Verleiher zunehmend vor Risiken zurückschrecken. Koreanische Verleiher, die einst jährlich mehr als 40 heimische Filme herausbrachten, rechnen für 2025 nur noch mit 20. Sie warnen, dass 2026 noch schwieriger werden könnte, wenn der während der Pandemie entstandene Produktionsstau abgebaut ist.

Die Krise veranlasste Branchenveteranen zu drastischen Aussagen. Kim Han-min, Regisseur der Yi-Sun-sin-Trilogie, gab eine düstere Einschätzung ab, als er den Abgeordneten im vergangenen Jahr sagte, die Branche sei

beinahe zusammengebrochen

. Diese deutlichen Worte spiegeln die tiefe Sorge um die strukturelle Tragfähigkeit des koreanischen Filmschaffens unter den derzeitigen Bedingungen wider.

Jason Bechervaise, Professor für koreanischen Film an der Hanyang-Universität, sieht tiefer liegende strukturelle Probleme statt vorübergehender Rückschläge.

Jahrelang schrumpfende Margen und steigende Kosten haben die mittelgroßen Produktionen ausgedünnt, in denen sich früher neue Regisseure entwickeln und etablierte Filmemacher experimentieren konnten,

erklärt er.

Viele Talente wechseln inzwischen zu Streamingplattformen, wo die Investitionen verlässlicher und die Produktionspläne berechenbarer sind.

Diese Abwanderung von Talenten und Kapital zum Streaming setzt das traditionelle Kino in einen Teufelskreis. Schrumpfen die Besucherzahlen, werden Verleiher risikoscheuer und produzieren weniger Filme, die dem Publikum einen Anlass für den Kinobesuch bieten. Das

Auswertungsfenster

– der Zeitraum zwischen Kinostart und Verfügbarkeit beim Streaming – ist bei vielen Titeln auf wenige Wochen geschrumpft. Damit sinkt der Anreiz, Kinokarten zu kaufen. Die Konsolidierung der Branche hat bereits begonnen: Die Betreiber der Kinoketten Lotte Cinema und Megabox planen, ihre insgesamt 1.682 Leinwände zusammenzulegen, um auf dem schrumpfenden Markt zu bestehen.

Die Kinos investieren kräftig in Premiumformate wie Imax und Dolby, um das Kinoerlebnis aufzuwerten. Ohne einen verlässlichen Nachschub an überzeugenden heimischen Filmen könnten solche Verbesserungen jedoch keine nachhaltige Erholung bewirken, sagen Branchenkenner. Das 30. Internationale Filmfestival Busan im Jahr 2025 machte diese Herausforderungen deutlich: Die Einspielergebnisse gingen stark zurück, und Branchenvertreter diskutierten offen über Lösungsansätze, während sie zugleich auf das Fehlen heimischer Blockbuster hinwiesen.

Das Streaming-Paradox

Globale Streamingplattformen scheinen für das koreanische Kino zugleich Rettung und Bedrohung zu sein. Netflix und andere Dienste haben Milliarden in koreanische Inhalte investiert und international erfolgreiche Serien und Filme produziert, die das weltweite Ansehen koreanischen Erzählens steigerten. Viele Filmschaffende sehen diese Beziehung jedoch als zweischneidig. Streamingplattformen geben häufig globaler Anschlussfähigkeit den Vorrang vor lokaler Eigenständigkeit und drängen Kreative zu Formeln, die sich international gut verbreiten lassen. Das vergrößert die Reichweite, schränkt aber die künstlerische Freiheit ein und schwächt die einst florierende Kinokultur Koreas.

Der Siegeszug des Streamings begann teilweise als Reaktion auf eine geopolitische Krise. Jahrelang beruhte die Finanzierung koreanischer Dramaserien auf einer informellen

Drittelregel

: Produktionsfirmen waren auf inländische Fernsehrechte, Produktplatzierungen und vor allem Vorverkäufe nach Japan angewiesen. Dieses System brach 2012 zusammen, als diplomatische Spannungen wegen Territorialstreitigkeiten japanische Unternehmen dazu veranlassten, den Kauf koreanischer Inhalte einzustellen. Zahlreiche Produktionsfirmen gingen daraufhin bankrott.

Chinesische Streamingplattformen füllten die Lücke, kauften Inhalte jedoch zu stark unterbewerteten Preisen. Die Dramaserie

My Love from the Star

soll für 600.000 US-Dollar verkauft worden sein, obwohl sie chinesischen Plattformen mehr als 100 Millionen US-Dollar einbrachte. Dieser 166-fache Umsatzmultiplikator zeigte, wie koreanische Kreativität Welterfolge hervorbrachte, während Kapital abfloss. Netflix kam 2016 mit einem anderen Modell: Das Unternehmen bot umfangreiche, stabile ausländische Investitionen, die unabhängig von regionalen politischen Risiken waren.

Der Einstieg von Netflix veränderte die Produktionsökonomie grundlegend. Vor dem Streamingzeitalter kostete eine durchschnittliche Folge einer K-Dramaserie zwischen 250.000 und 330.000 US-Dollar. Nach dem Netflix-Modell kosten aufwendige Originalproduktionen inzwischen zwischen 1,7 und 2,4 Millionen US-Dollar pro Folge. Im April 2023, nach einem Treffen zwischen Co-CEO Ted Sarandos und Südkoreas Präsident Yoon Suk Yeol, kündigte Netflix an, innerhalb von vier Jahren 2,5 Milliarden US-Dollar in koreanische Inhalte zu investieren – doppelt so viel, wie das Unternehmen seit 2016 in Südkorea ausgegeben hatte.

Diese Investitionen bewahrten die Branche vor dem finanziellen Kollaps, schufen jedoch neue Abhängigkeiten. 2022 hatten 60 Prozent der 221 Millionen Netflix-Abonnenten im Vorjahr eine koreanische Sendung gesehen. Koreanische Inhalte machten 8 bis 9 Prozent der gesamten Sehstunden aus und übertrafen damit Inhalte aus Großbritannien und Japan. Forschende weisen jedoch darauf hin, dass die Produktion vieler Serien mit großem Budget inzwischen

ohne Netflix-Investitionen nicht mehr machbar

ist. Das verschafft der Plattform erheblichen Einfluss auf Rechte am geistigen Eigentum und die kreative Kontrolle.

Der Wandel in der K-Pop-Landschaft

Auch der lange als stärkster Kulturexport Südkoreas geltende K-Pop steht vor einer Phase der Unsicherheit. Die Verkäufe physischer Alben gingen 2024 um 19,5 Prozent zurück – erstmals seit einem Jahrzehnt. Sie sanken von 115,2 Millionen auf 92,7 Millionen Einheiten. Prognosen zufolge wird dieser Rückgang 2025 anhalten. Die Statistik umfasst auch internationale Veröffentlichungen, von denen jedoch nur wenige nennenswerte Erfolge in den koreanischen Charts erzielen. Das deutet auf Schwierigkeiten sowohl im In- als auch im Ausland hin.

Die Musikbranche hat sich neu ausgerichtet, um den Rückgang auszugleichen. Große Agenturen setzen auf Konzerteinnahmen, die inzwischen die traditionellen Albumverkäufe übertreffen, und räumen weltweiten Tourneen Priorität ein. Dieser Wandel spiegelt tiefgreifende Veränderungen in der Funktionsweise von K-Pop wider. Areum Jeong, Professorin für Koreanistik an der Arizona State University, beobachtet, dass sich die Unternehmen zunehmend auf ihre treuesten Fans konzentrieren.

K-Pop-Unternehmen begannen, sich hauptsächlich an der Kernfangemeinde auszurichten und die Idee, in der breiten Öffentlichkeit bekannt zu sein, gewissermaßen aufzugeben,

sagt Jeong.

Wenn Unternehmen die Bedürfnisse der Kernfangemeinde bedienen, gibt diese Geld aus und unterstützt sie.

Diese enge Ausrichtung beeinflusst, wie Idole ausgewählt, ausgebildet und vermarktet werden. Das auf Superfans ausgerichtete Modell hat sich über Korea hinaus verbreitet; Branchen in anderen Ländern übernehmen diesen Ansatz. Doch bleibt die Frage, ob sich damit jene globalen Durchbrüche hervorbringen lassen, die K-Pops goldene Ära prägten, etwa BTS oder Blackpink. Kleinere Agenturen, die einst für Experimente und Vielfalt wichtig waren, haben angesichts steigender Produktionskosten und sinkender Fananteile zunehmend Schwierigkeiten, sich über Wasser zu halten.

Die jüngste Marktentwicklung zeigt, wie groß der Druck ist. Die Soloalben der Blackpink-Mitglieder Jennie und Lisa stiegen jeweils auf Platz sieben der US-Albumcharts ein, fielen aber nach einer Woche aus den Top 10. Keine der beiden Veröffentlichungen brachte eine Single hervor, die höher als auf Platz 68 kam. Später hinzugekommene Gruppen wie Tomorrow X Together, Ateez und Twice erzielten dank starker Verkäufe physischer Alben solide Platzierungen in der ersten Chartwoche, bevor ihre Positionen rapide abrutschten.

Entfremdung im Inland

Auch in Südkorea selbst steht das Genre unter Druck. Sarah, Moderatorin des Podcasts Idol Cast, merkt an, dass

K-Pop in Südkorea viel an Marktboden verloren hat – die Musik wird nicht für ein koreanisches Publikum geschrieben, sondern eher für ein vereinheitlichtes, globalisiertes Publikum.

Sie argumentiert, dass

man allen alles bieten will und am Ende irgendwie für niemanden etwas ist.

Diese Vereinheitlichung hängt teilweise mit dem Sprachwandel zusammen. Seit dem Erfolg von BTS'

Dynamite

als vollständig englischsprachigem Song enthält K-Pop zunehmend englische Texte. Das kommt internationaler Anschlussfähigkeit zugute, entfremdet aber koreanische Hörerinnen und Hörer. Innovative Acts wie Le Sserafim und Aespa, die nicht den massiven Marketingrückhalt erhielten, den BTS und Blackpink hatten, konnten sich trotz ihrer musikalischen Qualitäten auf dem US-Markt nur schwer etablieren.

Zudem hat sich das Genre zunehmend von der breiteren koreanischen Kultur abgekapselt. Sarah weist darauf hin:

Man sieht Idole nicht mehr in Fernsehserien oder Unterhaltungssendungen; viele Inhalte wandern auf zugangsbeschränkte [Online-]Plattformen wie Weverse ab.

Diese Abschottung verringert die Präsenz in der breiten Öffentlichkeit und bündelt die Aufmerksamkeit bei bestehenden Fans, statt ein neues Publikum zu gewinnen.

Demografische Veränderungen in der Fangemeinde verschärfen die Probleme. Das Publikum ist deutlich älter geworden, und viele ältere Frauen bewegen sich inzwischen in Fankreisen. Als Marktsegment ist diese Gruppe durchaus relevant, doch der demografische Wandel schreckt jüngere potenzielle Fans ab, die K-Pop sonst entdecken könnten. Gleichzeitig füllen J-Pop-Acts, koreanischer Rap und

2D-Idole

wie Plave, eine virtuelle Boyband, die koreanischen Charts und signalisieren damit einen Wandel des heimischen Musikgeschmacks.

Das Fehlen neuer Hits zeigt sich auch in den Streamingdaten. Der Hit

Bang Bang Bang

der Boyband BigBang aus dem Jahr 2015

gehörte in den vergangenen Monaten weltweit durchgehend zu den meistgestreamten K-Pop-Songs, was für K-Pop nicht gerade gut ist,

merkt Sarah an.

Wo sind die neuen Songs?

Die Entterritorialisierung der koreanischen Kultur

Mit dem beispiellosen globalen Einfluss der koreanischen Kultur zeigt sich ein Paradox: Erfolg garantiert nicht länger, dass koreanische Unternehmen davon profitieren. Netflix' Animationshit

KPop Demon Hunters

wurde zum meistgesehenen Animationsfilm der Plattform, war jedoch eine US-Produktion, die sich an koreanischer Ästhetik orientierte, statt ein authentisch koreanisches Produkt zu sein. Der Film wurde von der koreanisch-kanadischen Maggie Kang mitregiert und besetzte koreanische Synchronsprecherinnen und -sprecher; die Gewinne flossen jedoch an US-Unternehmen.

Jeong beschreibt dieses Phänomen als

eine entterritorialisierte, hybride Vorstellung von K-Pop [statt] eines authentischen K-Pop-Produkts

. Koreanische Kulturkonzepte sind inzwischen so mobil, dass sie sich international ohne Beteiligung Koreas reproduzieren lassen. Ähnliche Gruppen, die nach koreanischen Methoden ausgebildet wurden, entstehen nun in Japan und Südostasien und konkurrieren direkt mit koreanischen Unternehmen.

Bechervaise beobachtet, wie sich die kreativen Kräfteverhältnisse verschoben haben. Als heimische Produktionen formelhafter wurden, begannen US-Studios und Kreative aus der koreanischen Diaspora, koreanische Kulturelemente in Werken wie

Minari

,

Beef

und

Demon Hunters

aufzugreifen.

Korea hatte Hollywood mit dessen eigenen Mitteln geschlagen,

sagt er,

doch jetzt sieht es so aus, als würde Hollywood Korea mit dessen eigenen Mitteln schlagen.

Dieser Trend reicht über die Unterhaltungsbranche hinaus. Der weltweite Erfolg koreanischer Ideen eröffnet ausländischen Unternehmen Möglichkeiten, daraus Wert zu schöpfen, ohne koreanischen Kreativen zugutekommen zu lassen. Dennoch suchen Zuschauerinnen und Zuschauer weiterhin authentische Begegnungen mit koreanischer Kultur. Nach der Veröffentlichung von

KPop Demon Hunters

stieg das Interesse an den im Film gezeigten Produkten bei Museen, Lebensmittelmarken und Kosmetikunternehmen. Das deutet darauf hin, dass die koreanische Ästhetik zwar weltweit Anklang findet, dem Publikum aber weiterhin die Verbindung zur tatsächlichen koreanischen Kultur wichtig ist.

Reaktionen der Regierung und strategische Herausforderungen

Die südkoreanische Regierung hat mit ehrgeizigen Initiativen reagiert. Ein umfassender Fünfjahresplan sieht 51,4 Billionen Won (26 Milliarden Pfund) für Kulturinvestitionen vor. Damit sollen die globale Präsenz Südkoreas ausgebaut und die breitere Kulturbranche gestärkt werden. Die Strategie umfasst Inhaltsexporte, künstlerische Ausbildung, Tourismus und Sport. Präsident Lee Jae Myung berief Park Jin-young, Gründer von JYP Entertainment und K-Pop-Unternehmer, zum Co-Vorsitzenden eines neuen Kulturbeirats des Präsidenten, der koreanische Popkultur international fördern soll.

Große Agenturen wie HYBE und SM Entertainment eröffnen Tochtergesellschaften in Südostasien, Indien und China, um in Schwellenmärkten zu wachsen. Diese Expansionen folgen dem Muster der koreanischen Chaebols – familiengeführter Mischkonzerne, die ihr Know-how aus der Herstellung von Haushaltsgeräten und Autos in die Unterhaltungsbranche einbrachten. Die CJ Group, ursprünglich ein Lebensmittelunternehmen, wurde in den 1990er-Jahren Gründungsinvestor von Steven Spielbergs DreamWorks SKG, um Vertriebsrechte für asiatische Länder zu erhalten. Heute zählt CJ ENM zu den größten Unterhaltungsunternehmen Koreas.

Kritiker argumentieren, der Fokus auf die Expansion ins Ausland drohe die heimische Infrastruktur zu vernachlässigen, die einst Südkoreas kulturellen Aufstieg ermöglichte. Es besteht die Sorge, dass das Streben nach globalen Märkten jene kulturelle Authentizität aushöhlen könnte, die das internationale Publikum ursprünglich anzog. Jeong glaubt, dass die Branchen weiterhin Geld verdienen werden, warnt jedoch, dass finanzieller Erfolg allein keine kreative Erneuerung garantiere.

Die koreanische Unterhaltungsbranche wird auf diese Weise weiter Gewinne erzielen,

sagt sie,

aber ich glaube, es wird schwierig sein, etwas wie KPop Demon Hunters zu schaffen, das so viele Menschen weltweit begeistert hat.

Der menschliche Preis

Hinter den Statistiken und Geschäftsstrategien steigen die menschlichen Kosten. Das K-Pop-System beruht auf intensivem Training, hohen Investitionen und ständigem Nachschub. Steigende Produktionskosten, Ausgaben für internationale Tourneen und der Druck, virale Hits zu liefern, haben die Unterhaltungsunternehmen in riskante finanzielle Gewässer geführt. Kleinere Agenturen kämpfen ums Überleben, während selbst große Labels mit sinkenden Gewinnmargen konfrontiert sind.

Erschöpfung betrifft Schauspielerinnen und Schauspieler, Idole, Tänzerinnen und Tänzer sowie Beschäftigte hinter den Kulissen, die unter anstrengenden Zeitplänen und unsicheren Arbeitsverhältnissen leiden. Psychische Belastungen, in Südkorea ohnehin ein sensibles Thema, lassen sich angesichts des zunehmenden Wettbewerbs immer schwerer ausblenden. Die Künstlerinnen und Künstler stehen unter enormem Druck, schnell erfolgreich zu sein, andernfalls droht ihr Ersatz. Das wirft Fragen nach der Nachhaltigkeit auf – finanziell, emotional und kreativ.

Die jüngste Kontroverse um NewJeans macht diese Spannungen deutlich. Die von der Kritik gefeierte Gruppe, einst nach Blackpink und BTS als größte Hoffnung des K-Pop in den USA betrachtet, wurde in Rechtsstreitigkeiten mit ihrem Management verwickelt. Die Gruppe versuchte, ihren Vertrag mit Ador zu kündigen, der HYBE-Tochtergesellschaft, die sie gegründet hatte, und warf dem Unternehmen Missmanagement vor. Daraufhin verklagte Ador NewJeans. Das Label erklärte später jedoch, es

bedauere, dass die Angelegenheit vor Gericht eskaliert sei, und glaube, dass die meisten der von den Mitgliedern von NewJeans bislang vorgebrachten Vorwürfe auf Missverständnissen beruhten

.

Mitglied Danielle berichtete von belastenden Bedingungen während ihrer Traineezeit. Sie beschrieb ständige Überwachung und die Pflicht, für alle Mahlzeiten die Genehmigung des Managements einzuholen. Ein Bündnis von Branchenverbänden warnte im Februar, der Streit könne die K-Pop-Branche

zum Einsturz bringen

. Die Gruppe tritt weiterhin als Whistleblowerin für Arbeitnehmerrechte in einer Branche auf, in der Stars der rechtliche Status als Beschäftigte verwehrt wurde. Ein südkoreanisches Gericht entschied kürzlich zugunsten von Ador und erließ eine einstweilige Verfügung, die NewJeans bis zur Hauptverhandlung untersagt, außerhalb des Vertrags zu arbeiten.

Tiefer liegende strukturelle Herausforderungen

Die Krise der Unterhaltungsbranche spiegelt tiefer gehende nationale Herausforderungen wider. Südkorea steht vor einer deutlichen Abschwächung der Wirtschaft, einer rasch alternden Bevölkerung, einer extrem niedrigen Geburtenrate und einer komplexen geopolitischen Lage. Prognosen deuten auf eine erhebliche Verlangsamung des Wirtschaftswachstums hin; die durchschnittlichen jährlichen Wachstumsraten dürften in den kommenden Jahrzehnten deutlich sinken. Tiefe politische Spaltungen und eine Blockade der Gesetzgebung stellen weitere innenpolitische Hürden dar.

Die demografische Krise betrifft alle Branchen, auch die Unterhaltungsindustrie. Eine schrumpfende junge Bevölkerung bedeutet weniger potenzielle Künstlerinnen und Künstler sowie einen kleineren heimischen Markt für Inhalte, die sich an junge Menschen richten. Das Militär, das wegen der sinkenden Geburtenrate mit Personalmangel zu kämpfen hat, konkurriert mit Unterhaltungsunternehmen um junge Talente, denn für die meisten Männer bleibt der Wehrdienst verpflichtend.

Geopolitisch muss Südkorea mit den nuklearen Ambitionen Nordkoreas, dem selbstbewussten militärischen Auftreten Chinas und dem Technologiewettstreit zwischen den USA und China umgehen. Kulturexporte schaffen Soft Power, die diplomatische und wirtschaftliche Initiativen erleichtert, Wohlwollen fördert und im Ausland ein offeneres Umfeld für koreanische Interessen schafft. Diesen Vorteil zu bewahren, erfordert jedoch ständige Innovation und Anpassung.

Das Land investiert kontinuierlich hohe Summen in Forschung und Entwicklung und positioniert sich damit als führend bei KI, Quantencomputing und fortgeschrittenen Technologien. Die Exporte der Rüstungsindustrie sind kräftig gestiegen und bedienen die weltweite Nachfrage. Kulturbranchen benötigen jedoch andere Investitionen und Fördermechanismen als Technologie- oder Fertigungssektoren.

Die Ursprünge von Hallyu – der Koreanischen Welle – gehen auf konkrete politische Entscheidungen in Krisenzeiten zurück. Die asiatische Finanzkrise von 1997 und 1998 zwang zur Umstrukturierung koreanischer Chaebols und eröffnete kleineren Akteuren neue Marktchancen. Präsident Kim Dae-jung setzte auf Informationstechnologie und Popkultur als zentrale Wachstumstreiber für die Zukunft Koreas. Die Regierung hob Reisebeschränkungen für Koreanerinnen und Koreaner auf, Zensurgesetze wurden abgeschafft, und Investitionen in die Infrastruktur legten den Grundstein für Kulturexporte.

Diese historischen Lehren zeigen, dass Krisen einen Wandel anstoßen können, allerdings nur mit gezielten politischen Entscheidungen. Die aktuellen Herausforderungen könnten Südkorea dazu zwingen, seine Kulturbranchen erneut neu zu erfinden und globale Ambitionen mit heimischer Nachhaltigkeit in Einklang zu bringen.

Wege zu nachhaltiger Kultur

Die Unterhaltungsbranche steht an einem Scheideweg und muss grundlegende Entscheidungen über ihre künftige Ausrichtung treffen. Südkorea muss entscheiden, ob kulturelle Inhalte ausschließlich von Algorithmen und globalen Trends bestimmt werden sollen oder ob dem Land langfristige kreative Ökosysteme wichtig sind, die authentische Innovation fördern.

Erfahrungen anderer Länder bieten Anhaltspunkte. Die kanadische Unterhaltungsbranche steht durch die Globalisierung vor ähnlichen Herausforderungen: Etwa die Hälfte ihrer Fernseh- und Filmbranche arbeitet für US-Produktionen. Kanadische Fachleute weisen darauf hin, dass Südkorea erfolgreich war, weil es Inhalte für ein koreanisches Publikum schuf, die dessen Lebenswirklichkeit widerspiegelten, und erfolgreiche heimische Produktionen anschließend exportierte. Das unterscheidet sich von kanadischen Strategien, bei denen die kanadische Identität oft verborgen wird, um breitere Märkte anzusprechen.

Investitionen in die Infrastruktur kennzeichnen den koreanischen Ansatz. Statt einzelne Projekte zu finanzieren, investiert die südkoreanische Regierung in branchenweite Infrastruktur wie Digital Media City in Seoul, in der Technologie- und Medienunternehmen angesiedelt sind. Der mit 400 Millionen US-Dollar dotierte K-Content Strategic Fund bündelt Investitionen privater Unternehmen, darunter Studios und Banken. Staatliche Garantien sollen dabei helfen, über die Kapitalmärkte Geld für die globale Expansion zu mobilisieren.

Auch die intensive Arbeitskultur, die den Aufstieg des K-Pop ermöglichte, wird zunehmend hinterfragt. Koreanerinnen und Koreaner arbeiten weltweit zu den längsten Arbeitszeiten in Industrieländern – eine Realität, die sich im Trainingssystem für Idole widerspiegelt. Diese Methode brachte globale Superstars hervor, wirft aber Fragen nach ihrer menschlichen Nachhaltigkeit auf. Internationale Märkte könnten sich gegen eine Nachahmung solcher intensiven Systeme sträuben, was dafürspricht, dass die koreanische Unterhaltungsbranche ihre Produktionsmethoden weiterentwickeln muss.

Branchenbeobachterinnen und -beobachter nennen mehrere Schwerpunkte für nachhaltiges Wachstum. Eine stärkere Produktion von Filmen mit mittlerem Budget könnte die Talentförderung wiederbeleben, auf die neue Regisseure angewiesen sind. Vielfältigere Einnahmequellen jenseits von Tourneen könnten den Druck auf K-Pop-Gruppen mindern. Mehr Unterstützung für unabhängige Kreative könnte der Unternehmenskonsolidierung entgegenwirken. Der Schutz geistiger Eigentumsrechte in Streamingverträgen könnte sicherstellen, dass koreanische Kreative an den Erträgen ihrer Arbeit beteiligt werden.

Vor allem muss die Verbindung zwischen koreanischer Kultur und einem globalen Publikum erhalten bleiben: durch die Bewahrung von Authentizität bei gleichzeitiger Offenheit für Innovation. Die Koreanische Welle war nicht deshalb erfolgreich, weil sie westliche Formeln nachahmte, sondern weil sie eigenständige Perspektiven und Erzählweisen bot, die weltweit Anklang fanden. Dieses Gleichgewicht zwischen Besonderheit und universeller Verständlichkeit könnte für künftige Erfolge entscheidend sein.

Das Wichtigste

• Die Besucherzahlen koreanischer Filme sind seit 2019 um 45 Prozent gesunken; die Einspielergebnisse gingen von 1,3 Milliarden auf 812 Millionen US-Dollar zurück
• Verleiher rechnen für 2025 mit nur noch 20 koreanischen Filmen, verglichen mit mehr als 40 in den Vorjahren
• Die Verkäufe physischer K-Pop-Alben sanken 2024 um 19,5 Prozent – erstmals seit einem Jahrzehnt
• Netflix investiert innerhalb von vier Jahren 2,5 Milliarden US-Dollar in koreanische Inhalte und verändert damit die Produktionsökonomie grundlegend
• Die südkoreanische Regierung kündigte für fünf Jahre einen Kulturinvestitionsplan über 51,4 Billionen Won an
• Koreanische Kulturexporte erreichten 2024 trotz der Probleme im Inland mit 15,18 Milliarden US-Dollar einen Rekordwert
• Das

  Auswertungsfenster

  zwischen Kinostart und Streamingveröffentlichung beträgt bei vielen Titeln nur noch wenige Wochen
• Die Kinoketten Lotte Cinema und Megabox planen angesichts der Konsolidierung der Branche, ihre 1.682 Leinwände zusammenzulegen
• Koreanische Inhalte machen 8 bis 9 Prozent der gesamten Sehstunden bei Netflix aus und übertreffen damit Inhalte aus Großbritannien und Japan
• Der Rechtsstreit zwischen NewJeans und dem Management macht Probleme rund um Arbeitnehmerrechte im Idolsystem sichtbar